12/17/2023 12:00:00 AM

Crítica: Priscilla

Crítica: Priscilla

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Imagem: Mubi/DIVULGAÇÃO

Em dado momento de “Priscilla”, novo filme de Sofia Coppola, Priscilla Beaulieu (antes de ter o famoso sobrenome “Presley”) chega à casa do então namorado. O cômodo onde ela está é branco e alto, ela está de branco, mas é pequena, como se estivesse sendo engolida por todo aquele ambiente, aquela vida.

Essa opulência é algo que Sofia Coppola usa para contar a história da esposa de Elvis Presley (Jacob Elordi). Ela é interpretada por Cailee Spaeny na versão da diretora. Por ser uma mulher de 1,55 de altura, a Priscilla de Spaeny sempre parece ser dominada por coisas que são maiores, fisicamente, do que ela.

10/19/2023 11:08:00 AM

Fallen Leaves e Anatomy of a fall - Chicago Film Festival

Fallen Leaves e Anatomy of a fall - Chicago Film Festival


Comentários sobre Fallen Leaves, de Aki Kaurismaki e Anatomy of a fall de Justine Triet. Ambos os filmes vão estrear no Brasil, Fallen Leaves em 30/11 pela MUBI e Anatomy of a fall em 2024, com distribuição da Diamond Films. 

Fallen Leaves

Fallen Leaves

O cinema de Aki Kaurismaki, para muitos, é um cinema frio e rotineiro. Eu discordo disso e "Fallen Leaves" é exatamente o motivo e a prova que os filmes do diretor finlandês são o exato contrário de frio.

Duas pessoas que se encontram no meio de suas rotinas, em um inverno que seria uma estação qualquer, se não fosse a guerra da Ucrânia. Ansa trabalha, Holappa trabalha, suas rotinas são chatas, sem vida, até que eles se encontram em um bar.

Duas pessoas com seus problemas, que decidiram encontrar esperança na vida. A música, personagem tão importante em "Fallen Leaves" traduz os sentimentos deles. Se Ansa não tem dúvidas sobre o que sente, Holappa, muito devido ao alcoolismo, precisa lidar com seus erros. Entre um dia e outro, uma demissão e outra, entre uma derrota gerada pelo capitalismo e uma vitória no meio dele, prevalece a gentileza.

Prevalece o olhar de carinho ao encontrar um cachorro perdido e decidir adotar ele. Prevalece o acaso do papel perdido e com ele o número de telefone que tanto queria e prevalecem os caminhos de Ansa e Holappa sempre se cruzarem, mesmo em meio a frieza que domina as pessoas.

O inverno acaba, as folhas caem, as flores passam a crescer e com ela surge a esperança no reencontro, o acaso unindo as pessoas novamente, Ansa e Holappa de algum jeito ali e o desejo no espectador de ter alguém para dividir a rotina e as derrotas que o capitalismo gera.

A piscada de Ansa e o sorriso em um momento do filme é o sorriso do espectador quando Fallen Leaves termina.

Lindo.

Anatomy of a fall

Anatomy of a fall

Ao ver a história de Sandra e ao contar essa história, Justine Triet entende que precisa de uma forma dura, sem movimentos de câmera muito bruscos, sem grandes ousadias. Pois o contexto é importante e a análise fria dele, também. O formalismo, talvez até excessivo de "Anatomia de uma queda" se torna útil, porque talvez, para as mulheres, Sandra não seja imediatamente suspeita e nem ao menos merecedora de ser indiciada, mas, para muitos homens, como os envolvidos no julgamento e na opinião pública, ela é a única culpada.

Triet quer mudar esse olhar e fazer com que nos atenhamos aos fatos, a história e não a nossa opinião, ou a opinião dos personagens do filme. Por mais que pessoas sejam muitas vezes grosseiras, isso não significa culpa e por mais que muitas vezes seja difícil ver o contexto, é importante ver todos os lados. O contexto que a direção ótima de Triet constrói é essencial para vermos a anatomia (com perdão do trocadilho) do que aconteceu. 

10/12/2023 10:00:00 AM

Crítica: Assassinos da lua das flores

Crítica: Assassinos da lua das flores

Assassinos da lua das flores
Imagem: DIVULGAÇÃO / Paramount

Ao ler o livro “Assassinos da lua das flores”, de David Grann, pensei como seria difícil adaptá-lo para o cinema, devido ao peso e as camadas de uma história que teve como principal consequência para os Estados Unidos a criação do FBI. Claro, eu li por conta do livro ser o material base para o filme de Martin Scorsese.

O filme conta a história dos índios osages, um povo que devido as suas terras serem exploradas em busca de petróleo, se torna alvo de William Hale (Robert de Niro), que usa e manipula Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio) para que esse e vários outros homens brancos assassinem indígenas para poderem ficar com o dinheiro que recebem mensalmente das empresas petrolíferas presentes na cidade.

Por mais que acima eu tenha falado de Burkhart e Hale, Scorsese escolhe contar essa história pelo ponto de vista de Mollie Burkhart (Lily Gladstone), que é o alvo principal de Hale. A família de Mollie é grande (ela é uma de quatro irmãs e a mãe) e por isso elas se tornam alvos, por terem muito dinheiro.

Essa escolha faz que Scorsese não conte uma história apenas de roubo, racismo e crime, mas também de tristeza, melancolia e de certa forma, de resposta ao cinema clássico dos Estados Unidos, principalmente filmes dos anos 10 e 20, além dos westerns que viriam depois.

“Assassinos da lua das flores” talvez seja o filme mais duro em relação a movimentos de câmera que Scorsese já fez e com certeza é o mais naturalista e anticlimático. Isso porque nas 3h27 em um filme com muitos assassinatos, vemos pouquíssimos deles, porque Scorsese e Thelma Schoonmaker (amiga e montadora dos filmes do diretor), escolhem cortar essas cenas.

Essa escolha é em prol da reação de Mollie e das vítimas que são obrigadas a conviver com o medo de serem os próximos. Ao escolher não mostrar a maioria dos assassinatos e quando mostra, escolher fazer esses momentos serem breves, o filme mostra o seu lado. Scorsese não quer com “Assassinos da lua das flores” criar uma aura de glorificação a violência (o que aconteceu inconscientemente com, por exemplo, “Taxi Driver”), mas sim, mostrar uma história que precisa ser contada por que esse genocídio é um dos vários que deu origem aos Estados Unidos.

Talvez, por isso, o filme se aprofunde na melancolia. Por ser anticlimático e quase naturalista – a trilha sonora musical é quase inexistente, a maioria dos sons são do ambiente, a fotografia é quase com a luz natural dos lugares – vemos uma obra não fetichista, uma história real onde vemos a tristeza das pessoas pelo que acontece e vemos as suas tristezas e frustrações pessoais.

Mollie é uma mulher rica, mas triste. A relação com a sua família é boa, mas complicada. A única das filhas que cuida da mãe, mesmo sendo maltratada e preterida em prol da irmã, Anna, que é a filha que menos cuida da mãe. Solitária, Mollie encontra nas amigas e na rotina, parte da esperança necessária para conseguir aguentar o dia.

Mas a outra parte da esperança de Mollie é, infelizmente, Ernest. No marido ela encontra amor, uma possibilidade de vida e longevidade. Porém, da mesma forma que Scorsese e Schoonmaker cortam a maioria dos assassinatos, eles escolhem aqui mostrar de maneira diferente as coisas boas da vida da protagonista.

Eles fazem o uso de imagens em uma proporção igual a de filmes dos anos 10, 20, do cinema clássico, transformando-as em imagens de arquivo, em preto e branco. Considero isso uma resposta aos filmes daquela época, que se passavam nessa proporção e sem cor, porque os avanços ainda não tinham acontecido.

Porém, esses filmes, dirigidos por diretores ainda lembrados hoje e alguns ainda adorados atualmente, eram, muitas vezes, racistas. “O Nascimento de uma nação”, por exemplo, de D.W Griffith, é um filme extremamente racista e até hoje estudado para o bem e para o mal. Os primeiros filmes de John Ford, ainda no cinema mudo, também entram nesses problemas.

Neles, a pessoa indígena, a pessoa preta, a mulher, sempre morriam, sofriam ou eram punidos de alguma forma. Alguns filmes de John Ford, já na fase do cinema falado, tem muito disso, não todos, mas muitos sim e por mais que nessa época fosse comum pensar dessa forma terrível, é uma forma errada de se pensar.

Ao escolher mostrar as coisas boas da vida de Mollie e de outros habitantes do condado Osage nessa proporção e em preto e branco, Scorsese e Schoonmaker, talvez de forma inconsciente, mostram que naquela época, quando os filmes apenas eram feitos assim, era possível mostrar minorias qualitativas (definidas assim pelo capitalismo) sem mostrar eles sofrendo e morrendo, ou seja, fazer o mínimo.

Da mesma forma que mostrar certas coisas em “Assassinos da lua das flores” usando os quadros escritos, como o cinema mudo fazia, também serve para tal, já que as legendas explicam como os Osages ficaram ricos.

O que nos leva a força da atuação de Lily Gladstone, pois ao conhecermos Mollie, sabemos que ela está sendo manipulada por Ernest, não porque ela não é capaz de evitar isso e sim porque todo aquele sistema de coisas ruins foi arquitetado de maneira a fazer ela e os outros indígenas sofrerem. Ao contrário do que aconteceu, por exemplo, com Anna Paquin em “O Irlandês”, que é um filme que amo, mas que o fato da atriz não ter falas, foi uma decisão estilística, a meu ver, questionável.

Mas em “Assassinos da lua das flores”, o público não esquece da pessoa que Mollie é, da boa amiga, a boa filha, a boa irmã e claro, a boa esposa, pois Ernest é o ruim aqui, não ela. Ela é uma vítima, mas nunca vitimizada por Scorsese, que faz com que Gladstone apareça imponente, posturada, em muitos momentos altiva, uma presença respeitada por todos e uma ausência sentida quando acontece o que acontece no filme.

E se acontece o que acontece no filme, da forma como foi estruturado como cinema, é porque uma das principais vertentes do áudio, antes dele ser audiovisual, era o rádio. Em 1938, Orson Welles apresentava “Guerra dos Mundos” no rádio e as pessoas, ao ouvirem aquilo, muitas do meio para frente, sem saber que era apenas uma história de ficção, acreditaram que a terra estava sendo invadida por alienígenas.

Elas acreditaram porque criaram todos os efeitos sonoros para tal e aliada a narração de Welles, que tinha uma voz grave, todo ficou mais crível, então de certa forma, pode-se dizer que isso foi importante para o cinema. Scorsese traz isso para “Assassinos da lua das flores” em uma das cenas mais bonitas da sua carreira, onde vemos como é importante lembrarmos que certas histórias precisam e merecem ser contadas.

A cortina fecha, o filme acaba e estamos com ele para sempre na memória, estamos com Mollie Burkhart para sempre em nós e com aquela melancolia, tristeza e esperança de que algo mudou. “Assassinos da lua das flores” nos lembra da importância da história, tanto da falada, quanto escrita, quanto contada oralmente de pessoa para pessoa, mas nunca transformada em arte e são elas que fazem de nós pessoas completas e importantes para quem amamos. 

10/09/2023 05:45:00 PM

Monster e The Echo - Chicago Film Festival 2023

Monster e The Echo - Chicago Film Festival 2023


Comentários sobre dois filmes que estão nos principais lançamentos do ano, Monster dirigido por Hirokazu Koreeda e The Echo dirigido por Tatiana Huezo. Monster tem distribuição no Brasil (da Imovision). 

Monster

Uma das primeiras cenas de "Monster" vemos crianças correndo atrás de um carro de bombeiros, essas corridas se repetem ao longo do filme, atrás de coisas diferentes. Atrás de uma amizade, de uma saudade, de uma mentira ou de algum tipo de solução para a melancolia que aqueles personagens sentem.

Somos os monstros um do outro, Minato é o monstro do professor, o professor é o monstro dos alunos após saber que virou o monstro de Minato. Os meninos chatos da escola são os monstros do Hoshikawa e a diretora da escola é o seu próprio monstro.

Koreeda lida com assuntos complexos da forma igualmente complexa com a qual costuma lidar e por mais que o filme seja corrido em alguns pontos, a impressão que fica é que a diretora tem razão na fala "Happiness is something anyone can have".

The Echo

The Echo

O novo filme de Tatiana Huezo (de Noites de Fogo), "The Echo" é um filme que fala sobre as primeiras vezes que vivemos nas nossas vidas, acompanhando crianças de um povoado no Mexico.

Essas primeiras vezes são tão boas quanto ruins. São os primeiros sonhos, as primeiras experiências com trabalho, o descobrir a realidade onde vive, o primeiro contato com a morte e a primeira vez onde é necessário ter esperança.

É muito fácil nos vermos naquelas crianças e sonhos e é muito fácil nos vermos também nas tristezas e nas descobertas de realidade. Quando alguém morre, mesmo se já é esperado, é algo muito duro de se encarar e entender, quando alguém próximo sofre devido a solidão e falta de alguém para dividir responsabilidades, é também muito difícil de enfrentar e entender.

Impressiona o estilo naturalista de Huezo de filmar aquelas pessoas, ao mesmo tempo que esse estilo combina com o filme. Se em alguns momentos talvez fique um pouco enfadonho, pois estamos vendo rotinas próximas das nossas e muitas vezes o que buscamos é apenas esquecer das nossas rotinas enquanto vemos um filme, é também bonito e forte vermos algo tão esperançoso.

E nada mais justo em "The Echo" do que aquele final. Um símbolo de esperança tão simples quanto aquele faz com que nosso coração se sinta bem e vivo, mesmo em tempos sempre tão difíceis

9/07/2023 11:13:00 AM

Crítica: A Freira 2

Crítica: A Freira 2

A Freira 2
Imagem: DIVULGAÇÃO / Warner Bros

Por Diego Quaglia

Em “A Freira 2”, a Irmã Irene (Taissa Farmiga) volta a enfrentar a entidade demoníaca que cruzou no filme anterior, se reencontrando com Maurice (Jonas Bloquet), seu antigo guia. A nova produção da dupla James Wan e Peter Safran também recebe a chegada de Michael Chaves como diretor desse segundo capítulo da trajetória de Irene, mas isso na realidade não faz nenhuma diferença. Chaves, um dos protegidos de Wan e Safran, é só mais um desses diretores de aluguel que acabam assumindo os projetos de terror concebidos pelos dois.

Se o filme esteticamente é menos desajeitado que o primeiro filme, ele também não tem nenhuma coesão visual, iluminando cenas na rua que vão de um dourado reluzente meio barroco até o sépia cinzento e lavado da maioria de suas sequências externas. Criação não existe nenhuma também, sem tensão ou inventividade para pensar os planos ou o medo de que ele quer passar, os bons elementos como as cenas externas que citei ou a caracterização de criaturas como o diabo, ficam soltas
durante o filme.

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